가장 중요한 극장 기능 15 가지

그 가장 중요한 극장 기능 어떤 작업이나 실적과도 공통된 요소와 밀접한 관련이 있습니다..

용어 극장은 헬라어 단어의 기원을 가지고 있습니다. Theatron, "볼 곳"을 의미합니다. 따라서 원래 극장은 장소와 특정 형태의 지각을 모두 언급했습니다. 요즘 극장의 개념은 건물, 활동 ( '연극에 가기'또는 '연극하기'), 기관 및 예술 형식을 참조 할 수 있습니다..

극장은 연설, 몸짓, 풍경, 음악, 소리 및 광경을 결합하여 시청자를 자극하고 흥분시키는 라이브 관객 앞에서의 이야기의 공연 및 표현과 관련된 경치 예술의 한 부분입니다.

예술적 표현은 관객의 지각과 상상력에 따라 해독되기 때문에 마음도 극장에서 중요한 역할을합니다..

모든 희곡에는이 예술을 특징 짓는 공통된 요소가 있습니다. 다음으로 가장 뛰어난 기능을 자세히 살펴 보겠습니다..

극장의 15 가지 특징 요소

1- 플롯

그것은 일에서 일어나는 일입니다. 그것은 행동을 의미합니다. 연극에서 이벤트의 조직 또는 장면의 선택 및 순서. 아리스토텔레스에 따르면, 이것은 역사의 원료와 구성 요소를 구성하는 사건의 처리를 가리키는 추상 개념이다.

줄거리는 이러한 사고가 일관된 전체 구조로 이루어지는 방식입니다. 원래 주문 배열이 변경되면 새 프레임이 생성됩니다. 극장에서는 두 가지 유형의 음모가 우세합니다. 다음으로, 그것의 주요 특성 및 분화 성분 :

해상도 화면 

• 줄거리가 이야기의 마지막에서 시작되거나, 끝이나 절정에 가까워집니다..
• 짧은 시간을 다룹니다..
• 몇 가지 단색 및 확장 장면이 포함되어 있습니다..
• 제한된 지역, 방 또는 집에서 발생합니다..
• 문자의 수는 심각하게 제한됩니다..
• 보조 프레임이 거의 없습니다..
• 행동 지침은 일련의 원인과 결과로 진행됩니다. 문자와 사건은 논리적 발전의 순서로 밀접히 연결되어 있으며, 거의 필연적이다..

요한 계시록

• 줄거리는 이야기의 비교적 초기에 시작되며 일련의 행동을 통해 이동합니다..
• 장시간을 커버합니다..
• 많은 짧은 장면과 단편 장면 또는 짧은 장면과 긴 장면의 교대.
• 그것은 전체 도시를 커버 할 수 있습니다 또는 심지어 여러 나라에서.
• 문자의 풍부함.
• 자주 행동의 여러 스레드, 여러 병렬 이야기로 표시.
• 장면은 서로 연관되어 있습니다. 이벤트는 몇 가지 원인 또는 명확한 원인이 없을 때 발생할 수 있지만 상황에 따라 네트워크에서 발생합니다..

2 테마

음모가 작품의 활동을 말하며, 주제는 작품의 의미를 나타냅니다. 때로는 제목에 명확하게 표시되어 있습니다..

극작가의 목소리 역할을하는 캐릭터가 대화를 통해 선언 할 수있는 다른 경우도 있습니다. 때로는 주제가 덜 분명하고 작품의 내용을 분석 한 후에 만 ​​발생합니다..

3- 문자

그들은 작업의 배우가 대표하는 사람, 동물 또는 아이디어입니다. 구조적인 측면에서, 캐릭터는 행동의 에이전트이며, 플롯에서 발생하는 이벤트에 대한 동기를 제공합니다.

각 캐릭터는 자신의 성격, 연령, 외모, 신념, 사회 경제적 배경 및 언어가 있어야합니다. 작품의 기능에 따라 문자의 일부 유형을 설명 할 수 있습니다 :

• 주인공: 주인공.
• 적대적인: 주인공의 주된 상대.
• 대응: 비슷하거나 다른 상황이나 행동을하는 주인공의 일부 측면을 공개합니다..

4- 스크립트 또는 텍스트

이것은 연극 공연의 출발점입니다. 연극이 만들어지는 텍스트입니다. 그것은 연극에서의 대화, 무대 지시, 등장 인물에 대한 묘사로 구성됩니다. 극작가가 썼고 등장 인물이 해석 한 단어를 의미합니다..

5- 성별

독창적 인 수업. 성별은 "카테고리"또는 "유형"을 의미하는 프랑스어 단어에서 유래합니다. 장르의 선택은 주제에 대한 작가의 관점을 반영합니다.

극장에서는 일반적으로 비극, 희극, 멜로 드라마 및 비극 희극과 같은 종류의 작품이 전시됩니다. 각 장르는 스타일과 내용별로 다음 세 가지로 나눌 수 있습니다.

비극

심각하고 복잡하며 관련성이 높은 행동을 모방 한 것입니다. 이 비극은 본질적으로 본질적으로 심각하며 깊은 문제를 다룹니다. 이러한 심오한 문제는 보편적이며 행동을 목격함으로써 청중들에게 연민과 두려움을 불러 일으 킵니다..

희극

그것은 청중을 웃게 만드는 비전을 가지고 있습니다. 보통 육체적이며 활력이 넘칩니다. 제시된 등장 인물의 행동은 터무니없고 때로는 어리 석다. 청중을 자극하여 사회의 행동을 교정합니다..

멜로 드라마

그것은 재앙의 드라마이며, 주인공의 통제를 벗어난 환경으로 인해 음모의 중요한 사건이 발생합니다. 주인공의 죄책감과 책임감이 사라집니다..

주인공은 상황의 희생자입니다. 멜로 드라마는 엄격한 도덕적 판단력을 갖고 있습니다. 제시된 모든 주제는 잘 정의 된 방식으로 해결됩니다. 좋은 인물은 보상을 받고 나쁜 인물은 처벌됩니다..

비웃음

그것은 삶 자체의 반영이며 모든 이전 장르를 포함합니다. 심판이나 절대적인 판단을하려는 의도는 아닙니다. 그것은 인물 관계에 초점을 맞추고 지속적인 흐름의 상태로 사회를 보여줍니다.

6- 의상 및 메이크업

캐릭터를 재창조 할 때 배우를 특징 짓는 요소입니다..

옷장

배우 또는 연기자가 무대에서 사용하는 옷과 액세서리를 나타냅니다. 고대 그리스인은 각 인물에 대한 특정 의상을 개발하는 개척자였습니다.이 예술은 중세 시대를 살리고 법원의 후작을 대표하는 역할을했습니다..

메이크업

외모가 특정 역할에 적응하거나 풍경 조명의 효과를 보상하기 위해 배우의 외모를 변경하는 것은 화장품의 사용입니다.

메이크업 기술은 전기 및 가스 조명의 도입으로 혁명을 일으켰으며 이제는 고도로 기술적 인 관행이되었습니다..

7- 조명 및 음향 효과

조명의 배치, 강도 및 색상뿐만 아니라 사운드 효과는 감독이 장면의 분위기, 분위기 또는 느낌을 전달하는 데 도움이됩니다..

실내 공연이 촛불과 가연성 액체 사용과 관련된 르네상스 초기에 공연 될 때 조명은 연극 제작의 중요한 특징으로 인식되었습니다.

조명 기술의 중요한 혁신은 플로어 램프의 도입, 1876 년에 빛의 강도를 높이기위한 리플렉터의 사용 및 강당의 조명 어둡기를 포함했습니다..

19 세기 초 가스 조명 개발은 관련된 위험에도 불구하고 중요한 진보를 나타 냈습니다. 전기 조명 사용은 1879 년 샌프란시스코의 캘리포니아 극장에서 시작되었습니다..

현재 현대 극장의 조명 시스템은 전체 시스템의 조명을 조정할 수있는 매우 정교한 전산화 된 보드에 의해 제어됩니다. 최근의 다른 혁신으로는 자외선, 레이저 및 홀로그램을 사용한 실험이 있습니다..

음향 효과는 컴퓨터 나 무대 위나 아래에서 배우가 제작할 수있는 연극 장면을 동반하여 생성되는 소음입니다.

8- 감독

생산의 총체적 통일을 책임지고 예술가의 노력을 조정하는 책임자입니다. 감독의 작품은 연극 제작에있어 핵심적인 요소입니다. 연출을 관장하는 모든 사람들을위한 제작 비전을 수립하는 감독이기 때문입니다.

감독은 대본, 배우, 의상, 조명, 사운드 및 음악 등 여러 가지 복잡한 작품을 하나의 전체에 모으는 것이 어렵습니다. 이 작업을 수행하기 위해 감독은 다음을 필요로합니다.

• 스크립트 해석.
• 디자이너와 공동 작업.
• 시련을 계획하십시오..
• 리허설 도중 배우들에게 가이드하기.

감독의 작업은 종종 몽타주의 대상인 스크립트에 대한 상세한 연구와 분석을 기반으로합니다. 대본의 많은주의 깊은 독서는 감독이 극작가의 의도를 개별적으로 볼 수있게 도와줍니다. 당신의 인식은 생산의 모든 측면에 영향을 미칠 것입니다..

감독은 또한 대본의 특성을 연구하여 가능한 한 많은 정보를 수집하여 신체 선택 및 심리 특성에 대해 설명합니다..

9- 관객

작품을 보는 사람들의 그룹. 많은 극작가와 배우는 일반 대중이 연극에서 가장 중요한 요소라고 생각합니다. 연극을 쓰고 연출하는 데 필요한 모든 노력은 잠재 고객의 즐거움을위한 것입니다..

극장에서는 통역관이 관객과 직접 접하게되므로 원형의 에너지 흐름이 생성되기 때문에 관객은 관객에게 영향을 미치고 그 반대도 마찬가지입니다. 이 효과는 극장이 공동 이벤트라는 사실에 의해 증폭됩니다..

이 그룹의 경험은 개인이 경험하는 감정을 강화하고 집단적 양심을 창출하기 때문에 필수 불가결 한 것입니다. 일련의 개인이 무대에서 일어나는 일과 유사하게 반응 할 때, 다른 이들과의 관계가 재확인되고 강화됩니다..

출연진과 관객 사이의 이별 정도는 기존 관객과 참여 극장을 구분 짓는 것입니다.

첫째, 대중은 상상력을 사용하여 작업에 참여하고 작업과 분리합니다. 둘째, 배우는 청중과 대화하여 개성적이고 즉흥적 인 대본을 따라 가면서 개인 개발이나 집단 치료를 강조합니다..

극장에서 관객은 여러 종류의 가상 세계를 받아 들여야합니다. 이 상상의 영역을 구분하는 한 가지 방법은 현실적이고 비현실적인 극장으로 그들을 분할하는 것입니다.

19 세기 말 유럽 극장의 지배적 인 형태가 된 현실주의는 삶을 너무 가깝게 재창조하여 관객이 반드시 있어야한다고 가정합니다. 한편, 비 사실주의는 관찰 된 실재를 초월하여 마음 속에 존재하는 삶의 일부를 제시하려고 시도한다..

그러나이 두 가지 접근법이 상호 배타적이라고 가정하는 것은 실수입니다. 대부분의 연극 공연에는 현실적이고 비현실적인 요소가 혼합되어 있습니다..

10- Scenography

그것은 플롯이 개발되는 환경을 재현하는 역할을하며 세트에는 다음과 같은 목표가 있습니다.

• 생산의 톤과 스타일 설정.
• 시간과 장소를 설정하십시오..
• 리얼리즘과 비 사실적 구별.
• 풍경을 다른 요소와 조화 시키십시오..
• 무대 공간과 무대 외부의 한계를 다루십시오..

이 모든 목표는 감독, 세트 디자이너 및 디자인 팀 간의 여러 회의에서 다루어집니다. 나중에 아이디어가 스케치에 반영되므로 수정 후 분석 및 수정을 통해 광고 소재의 역사 및 비전에 가장 잘 맞는 장면을 고안 할 수 있습니다..

이 단계가 끝나면 설계도는 기술 감독에게 전달되며, 기술 감독은 계획된 계획의 구체화를위한 시나리오에서 필요한 구성, 조정 및 설치 작업을 수행합니다..

11- 시나리오

극적인 제작에 사용되는 커튼, 바닥, 배경 또는 플랫폼과 같은 연극 장비입니다.

12 어플라이언스

소품의 종류는 다양합니다. 대부분의 소도구는 대본에서 비롯되어 감독이 요구하는 요소입니다. 시나리오 작가는 대개 장면에 나타나는 가구와 같은 앙상블 소품을 요구합니다. 때로는이 유형의 소품과 장면 조영술 사이에 얇은 구분선이 있습니다.

소품은 의상과 무대를 제외한 공연 중에 나타나는 모든 모바일 아이템입니다. 하나 이상의 액터가 조작하는 기사입니다. 책, 총, 와인 한 잔.

13- 행

그것들은 연극 작품의 발전에 중요한 부분을 대표합니다. 엘리자베스 시대부터 19 세기까지의 극작품은 극작가 나 후기 편집자가 5 가지 행위로 나눴습니다..

19 세기 말에 많은 작가들이 4 가지 작품을 저술하기 시작했습니다. 오늘날, 하나, 둘, 셋이 가장 일반적인 게임입니다..

14- 극장 (건물)

배우 나 관객이 모이는 공간입니다. 공연자가 잠재 고객과 소통 할 수있는 영역이 있어야합니다..

극장 건물은 그리스와 로마의 야외 원형 극장에서 오늘날 우리가 볼 수있는 다양한 형태로 발전했습니다. 캐스트와 관객 사이의 감정적 인 교류를 지원하는 공간입니다..

15- 협약

연극 관례는 연극가 또는 감독이 연극에서의 연극 이야기를 돕기 위해 사용하는 실용적인 도구입니다. 가장 일반적인 연극 관례는 서로 이야기하고 관객을 알아 차리지 않는 척하는 인물들입니다..

흔히 네 번째 벽 또는 네 번째 스크린 규칙이라고도 불리는데, 배우와 청중 사이의 (보이지 않는) 구분의 존재가 시뮬레이션됩니다.

연극의 기원과 역사적인 진화

연극이 시작되면 정확히 수수께끼입니다. 선사 시대 사냥꾼들은 사냥 원정에 관한 이야기를했습니다. 고대 이집트인들은 성스러운 노래를 부르고 종교 행사에서 그들의 신들을 위해 춤을 추었습니다. 그러나 드라마틱 한 엔터테인먼트로서의 극장이라는 아이디어는 나중에 나왔다..

비극과 희극에 대한 영어 단어는 고대 그리스인의 언어에서 나온 것으로 알려져 있습니다. 그리스인이 연극을 가장 먼저 연기 한 것은 아니지만 그들은 비극과 코미디의 기원에 매우 관심이있었습니다..

그의 저술에서 철학자 인 아리스토텔레스와 다른 그리스 작가들은 이론을 제안하고 극장 예술의 형식이 어떻게 발전했는지에 대한 가설을 세웠다..

그리스 작품은 야외 극장에서 공연되었습니다. 처음에 극장은시 중심부 또는 산허리 옆에있는 개방 구역에있었습니다. 청중은 신나게 영웅의 모험에 대해 합창단 노래를 듣고 보려고 준비하고있었습니다..

6 세기 말 무렵. C., 연극 구조는 더욱 정교 해졌다. 극장이 점점 더 대중화되고 도시 간 경쟁이 치열 해짐에 따라 극장은 한 번에 최대 15,000 명을 수용 할 수있는 구조로 커졌습니다.

사람들이 처음으로 만난 이후 다른 어떤 사람의 이야기를 듣기 위해 극장이 존재했습니다. 친구와 가족은 청중과 통역관의 책임을 공유하고 누군가 이야기를 공유한다면 역할을 바꿉니다..

현대 연극은 스토리를 재창조하도록 훈련 된 배우와 공연에 반응하는 정교한 시청자와 함께보다 공식적 일 수 있지만 캐스트와 실제 잠재 고객간에 에너지를 공유한다는 아이디어는 변하지 않습니다.

참고 문헌

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