몫:
추상 미술 기원과 역사, 특성, 그림 및 기타
그 추상 미술 자연스러운 공간과는 완전히 다른 공간을 창조하는 목적을 가진, 모든 진정한 대표성으로부터 분리되는 모든 예술적 표현입니다. 이 추상감은 점, 선 및 순수한 색상뿐만 아니라 다른 기하학적 모양을 사용하여 얻을 수 있습니다..
예술적 흐름으로서의 추상화는 비유재 예술이라고도 알려져있다. 이것은이 스타일이 대표적인 전통 예술과 접촉 할 곳이 없다는 것을 의미합니다. 그럼에도 불구하고 현실과의이 거리는 그것의 부정을 암시하는 것이 아니라 오히려 야당이나 대조를 제안한다..
감정가들에 따르면 추상적 예술을 이해하기 위해서는 모양과 추상을 구분할 수있는 방법을 알아야합니다. 왜냐하면 그것들은 완전히 반대되는 개념이기 때문입니다. 이런 이유로, 이러한 예술적 관념이 동화되면 추상적 인 작품과 비유적인 작품을 구별하기 쉽습니다..
색인
- 1 추상화 및 형태
- 1.1 비 유적 세계와의 거리
- 2 기원과 역사
- 2.1 큐비즘, 표현주의 및 포비즘의 영향
- 2.2 Baudelaire에서 Mallarmé로 : 지시 대상을 멀리하려고 시도한다.
- 2.3 클로드 드뷔시의 뮤지컬 수채화
- 3 추상 예술의 특성
- 3.1 본질을 포착하려고한다.
- 3.2 자유
- 3.3 실제 형태의 부재
- 4 회화
- 4.1 - 바실리 칸딘스키
- 4.2 첫 번째 추상 수채화
- 4.3 - 피에몬드 몬트리올
- 5 조각
- 5.1 - 헨리 무어
- 5.2 - 리차드 세라
- 6 아키텍처
- 6.1 -Mies van der Rohe
- 6.2 - 게리 리트 벨트
- 7 음악
- 7.1 - 이고르 스트라빈스키
- 7.2 - 모리스 라벨
- 8 참고
추상화 및 형상
추상적 인 현상은 생성 된 요소를 현실의 기존 요소와 연관시킬 수 없을 때 나타납니다.
예를 들어, 나무의 이미지가 찍히고 흐려 지거나 수정 된 경우,이 예술적 게임은 이미지가 여전히 원래 인물의 본질을 유지하기 때문에 추상화로 간주 될 수 없습니다. 즉, 여전히 비 유적이다..
한편, 실제 참조가없는 이미지는 추상화로 간주 될 수 있습니다. 추상 미술 분야에는 기하학적 추상화, 형식주의 및 표현주의 추상화와 같은 여러 측면이 있습니다. 그러나 모든 것은 실제 참조가없는 것과 관련이 있습니다..
꿈과 악몽에 있지만 초현실적 인 이미지를 올릴 수 있기 때문에 꿈과 관련된 이러한 수치는 추상으로 간주 될 수 없습니다 (예 : 유니콘의 경우), 아직도 경우에 현실에서 찾을 수 있습니다 참조 (유지 유니콘, 그것은 경적을 가진 말).
비 유적 세계와의 거리
양식은 인상파와 같은 다른 운동에 의해 사라지기 시작했다 심지어 19 세기와 20 세기 동안 불구하고이 이벤트 예술 형상의 보호 아래 남아도 전에 때문에 Abstractionism 근본적으로, 예술 세계를 변화 , 포스트 인상주의와 입체파.
사람이 동굴에 그림을 그렸던 이래로 예술은 현실을 표현하는 수색을 계속했다..
20 세기가 될 때까지 작가는 자신의 환경과 맥락에서 벗어날 수 없었기 때문에 추상 미술은 역사적인 순간의 에피 스템을 열어 큰 사회적 변화와 심미적 인 혁신을 원했다..
음악은 비 유적 일 수 없으므로 (음악적 명명법에도 불구하고) 추상화는 음악과 관련 될 수 있습니다. 색상과 도형은 추상이기 때문에 실제 발신자를 가질 필요가없는 다양한 가능성을 제공합니다..
기원과 역사
추상 미술은 큐비즘과 포비즘과 같은 이전의 운동에서 그 기원을 가지고있다. 그러나 실제 물체의 표현과 색상의 시각적 인식 사이의 분리를위한 출발점 역할을 한 특정 그림이 있습니다.
이 작품은 화가 James McNeill Whistler에게 속하며 제목이 붙어 있습니다. 검은 색과 금색의 야행성 : 떨어지는 로켓. 이 1874 년 그림에서는 어두운 색의 범위를 볼 수 있으며 인간의 형태 나 건축물을 직접 찾는 것은 어렵습니다..
쉽게 이해할 수있는 것은 불꽃 놀이 쇼를 연상케하는 황금 점 이외에 빛과 그림자의 붓질입니다..
입체주의, 표현주의 및 포비즘의 영향
파블로 피카소 (Pablo Picasso)와 조르주 브라케 (Georges Braque)의 작품이 출현하면서 기하학적 모양과 평면 색상에 대한 강력한 입구가 허용되었습니다. 마찬가지로, 폴 세잔 (Paul Cézanne)도 대체 현실의 창설에서 시작했다. 즉, 그는 비유의 재구성 작업을했다..
차례로, 표현주의 예술가들은 컬러 팔레트와 형태의 강도를 - 그로테스크 한 방식으로 - 활용할 책임이있었습니다. 그의 그림은 비평가들에 의해 열정의 넘침으로 여겨지며, 이는 큰 사회적 당혹감이 오기 전에 반동적 인 방식으로 나타납니다..
같은 방식으로, 비명 소리 에드워드 뭉크 (Edward Munch)는 20 세기의 추상적이거나 비상식적인 예술의 발전을위한 근본입니다. 또한 그림 제목을 찍었습니다. 브뤼셀에 그리스도의 입구, 제임스에 의해.
폴 고갱, 앙리 마티스와 조르주 쇠라이었다 같은 다른 큰 아방가르드 지수는 나중에 abstractionism의 가장 큰 대표, 바실리 칸딘스키 누구를위한 키 영감 간주됩니다.
이는 원시 색상의 언어가 다른 브러시 획과 함께 유명한 선구자에게 강한 영향을 주었기 때문입니다.
Baudelaire에서 Mallarmé까지 : 거리를 멀리 둡니다.
글쓰기의 세계에서 또한 모든 실제 지시 대상으로 확립되고 끝나는 목적을 가진 다른 운동을 개발하고 있었다. 편지의 분야에서이 분리는 좀 더 어려웠습니다. 왜냐하면 인간의 마음 속에서 단어들은 항상 그들의 참조에서 벗어나려고 노력하기 때문입니다.
그러나이 시인들은 단어의 음향 이미지를 통해 형태의 내면과의 연결 고리를 얻었습니다..
이들은 인간의 잠재 의식 안에있는 깊은 미적으로 연결되어있는 위대한 시인 샤를 보들레르의 현대화는 모든 방법들이 특정 예술적인 자극에 반응하는 아이디어의 씨앗을 심기에 대한 책임.
다시 말해, 모든 예술은 실제 레퍼 런트에 반응 할 필요없이 눈, 귀, 마음 속의 특정 감각을 일깨우는 능력이 있습니다.
마찬가지로, 프랑스의 유명한 시인 스테판 말라르메, 아서 랭보와 기욤 아폴리네르는 참조하지 않고도 단어의 소리와 그들이 독자의 연상 수의 즐거움에 초점을 참조 방법을 거리를 추구 개념.
이것은 독자의 정신적 구조를 수정하여이 요소가 기존의 매개 변수에서 벗어나 음절의 음담을 통해 다른 감각을 결합하고 감히 만들어내는 문제라는 것을 의미합니다. 그러므로 그것은 서면상의 추상화입니다..
클로드 드뷔시의 뮤지컬 수채화
후기 추상 미술의 음악적 조상은 위대한 작곡가 클로드 드뷔시 (Claude Debussy)로서 그의 음악 작품은 인상파와 인상파 화가의 붓질을 모방하는 것처럼 보였다..
같은 방식으로,이 작곡가는 또한 그의 노트가 강력한 우화 혐의로 구성되어 있었기 때문에 상징주의 운동과 관련되어있다..
이 드뷔시와 에릭 사티 같은 뮤지션, 일상 생활에서 관찰 된 개체의 색상과 움직임과 함께 소리를 통해 인 인간의 명단 훨씬 더 깊은 현실을 반영 단지 기호는 것을 의미.
추상 미술의 특성
본질을 포착하려고합니다.
그것이 다른 측면을 가지고 있음에도 불구하고, 추상화 운동은 주로 물체의 원시 본질에 대한 탐색을 특징으로한다.
그러므로 추상 미술은 예술적 표명에서 가장 순수한 수준의 의식과 무의식의 탐구를 포착하려고합니다.
자유
주요 특징 중 하나는 기술과 요소를 적용 할 자유와 이러한 자원의 중요성입니다.
예를 들어, 이것은 반음계에서 분명하게 적용됩니다. 색상은 실제 개념을 참조 할 필요없이 자신의 예술적 표현을 사용합니다..
실제 형태의 부재
추상화는 진정한 형식이 아닙니다. 단지 기하학적 인 도형이 사용되는데, 그 이유는 그것이 폼의 총체적인 단순성에 호소하는 스타일이기 때문이다.
페인트
-바실리 칸딘스키
많은 비평가들에게 추상 미술은 Vasili Kandinsky의 작품으로 시작됩니다. 그러나 1910 년에는 프랑스 대리석이 유명해졌으며 추상화의 시작으로 간주 될 수 있습니다.
그러나 전문가에 따르면 예술사에서 칸딘스키의 중요성은 부인할 수 없습니다. 이 화가는 동양 피의 유산을 가졌으며, 그의 작품에 영감을 불어 넣었습니다..
더하여, 동일한 예술가는 모스크바의 신화적인 성당에 의해 고무되기에 승인했다; 그에게 도시의 화려한 건축물은 조화로운 미적 및 문화적 내면을 반영한 외관의 예술적 충돌로 구성되었다고한다..
그의 예술 작품 동안, 칸딘 스키 (Kandinsky)는 형태의 본질에 대한 탐구를 주창했다. 이러한 이유로 그의 작품은 색, 지각 및 감각이라는 세 가지 단어로 요약 될 수 있습니다..
결과적으로, 추상 미술은 절대성의 신비한 조건을 전제로하는 양보라는 것을 확증 할 수있다. 즉, 그는 이데올로기적이고 철학적 인 지속적인 진화를 위해 노력한다..
첫 번째 추상 수채화
이 세 가지 가정의 심미적 인 총체 성을 달성하기 위해, 저자는 그림 작업 내 포인트 요소, 선, 평면 및 색상과 같은 기본 플라스틱 요소의 사용을 촉진했습니다.
이 요소들 사이의 연결과 연결을 통해 나는 인간의 눈에 대해 새롭고 다른 지각 또는 감각을 얻었다..
이를 염두에두고, 우리는 추상 미술이 처음으로 1910 년에 태어 났다고 말할 수있다 초록 수채화 Kandinsky. 이 그림에서 현실과 관련없이 유색의 도형, 선 및 플라스틱 값을 볼 수 있습니다. 즉 비유적인 요소들로 구성된 작품이다..
또한, 시청자가이 작품을주의 깊게 관찰한다면, 그림이 주로 파란색과 빨간색을 강조한 기본 색상과 보조 색상으로 구성되어 있다는 것을 알 수 있습니다. 그들은 또한 회색 색조의 약간의 스트로크를 강조하는데, 이는 다른 색들의 생동감과 대조를 이룹니다.
-피에트 몬드리안
이 잘 알려진 네덜란드 화가는 추상화에서 그의 시작을 전문으로하지 않았지만 자연주의와 상징주의와 같은 다른 스타일로 처음으로 작업했습니다. 다수의 스타일에도 불구하고, 그의 조형 예술은 그의 철학적 및 영적 연구의 영향을 받았다..
사물의 핵심 본질을 찾기위한 검색에서 몬드리안은 그의 그림에서 우주의 기본 구조를 찾기 위해 기하학적 추상과 함께 특별한 방식으로 연주했습니다.
이러한 이유로 그의 작품은 주로 빛과 모든 색상의 총 존재로 인해 "비색"으로 간주되는 흰색 색상과 "검정색"으로 간주되는 검정색으로 표시됩니다. 빛의 부재 및 모든 색상의 존재로 인한 "색".
그의 가장 유명한 작품 중 하나는 추상적 인 건축과도 관련이 있으며, 빨강, 노랑, 파랑 및 검정 조성, 그가 1921 년에 만든.
여기에서 다양한 크기와 색상의 직사각형 인물을 볼 수 있습니다. 그러나 팔레트는 아주 기본적이고 기본 적입니다. 이름에서 알 수 있듯이, 표현주의자인 Mark Rothko의 그림을 생각 나게하는 것은 빨강, 노랑, 파랑 및 검정색입니다..
조각품
조각품은 추상화 운동에 남겨지지 않았다. 사실, 그는 스타일 내에서 진기함을 도입했습니다 : 3 차원 성. 이것은 추상적 인 그림 안에서 조각이 항상 평평하게 보이고, 조각에서 형태의 깊이가 증진되기 때문에 일어난다..
-헨리 무어
영국의 조각가 인 헨리 무어 (Henry Moore)의 주요 지수 중 하나는 단색 인물이 움직임을 갖고 약간의 로맨틱하고 빅토리아 시대의 영감을 유지하는 것으로 보인다..
Moore는 또한 Giotto, Michelangelo 및 Giovanni Pisano와 같은 위대한 르네상스 예술가들의 영향력을 인정했습니다. 또한 저자는 콜롬비아 이전의 톨텍 (Toltec)과 마야 (Mayan) 조각의 형태에 놀랐다..
수많은 추상적 인 형태는 주로 대리석과 청동으로 조각되었습니다. 그의 경력의 시작 부분에 Moore는 직접 조각을 적용했습니다. 그러나 1940 년대 조각가는 석고 또는 찰흙을 주조하기 시작했으며 전통적이면서도 오래된 캐스트 인 "잃어버린 왁스"를 사용하기 시작했습니다..
파도
그의 작품은 주요 특징으로 기복과 빈 공간이있는 형태의 사용, 비평가들에 따르면 영어 카운티 요크셔 (Yorkshire), 그의 토속 땅의 경관을 얻은 영감.
추상적 인 그림이 비유의 제거를 옹호한다는 사실에도 불구하고, Henry Moore의 작품에서 우리는 인간의 모습에서 자신을 분리하지 않는 추상화를 인식 할 수 있습니다. 여성 신체와 산모의 모습을 구별 할 수 있습니다..
무어의 가장 유명한 작품 중 하나는 소위 말하는 것입니다. 3 웨이 조각 2 호, 토론토 시청 플라자에 위치하고 1964 년에 만들어진.
이 단색 조각 작품은 추상화의 교훈에 가장 잘 어울리는 작품 중 하나입니다. 그 형상은 어떤 실제 참조에도 직접 연결될 수 없기 때문에.
-리처드 세라
추상적 인 조각의 또 다른 위대한 대표자는 미국 국적의 잘 알려진 플라스틱 예술가 인 Richard Serra입니다. 아직도 살아있는이 예술가는 비평가들로 하여금 우리 시대 최고 조각가 중 한 명으로 여겨진다..
Serra는 거대한 조각의 강철 판으로 작업하기를 선호하는 미니멀리스트 조각가로서 그의 미적 작업을 더욱 훌륭하게 만듭니다..
예술가의 첫 번째 단계는 추상 주의자의 이상과 더 잘 어울리는 작품이며, 주로 용융 된 납 재료를 사용했다..
철강 작품
또한 대형 직사각형 철 구조물을 만드는 것으로도 알려져 있습니다. 가장 유명한 것 중 하나는 전화입니다. 기울어 진 호, 높이가 3.5 미터이고 암시적이고 미묘한 곡률을 가지고 있습니다. 이 조각품은 뉴욕시의 연방 광장에서 오늘 볼 수 있습니다..
예술적 비평가들로부터 매우 찬사를받는 또 다른 추상 조각은 뱀, 곡률을 즐기는 3 개의 스틸 레이어로 구성됩니다 (기하학적 모양 내의 곡선이이 아티스트의 가장 대표적인 특징입니다). 이 작품은 구겐하임 미술관 빌바오에 있습니다..
Serra의 가장 인정 받고 잘 작동 한 작품 중 하나는 전화입니다. 시간 문제, 예술가가 가장 좋아하는 재료로 만들어진 훌륭한 크기의 일곱 개의 주목할만한 조각으로 이루어져 있습니다 : 코르 텐 스틸.
이 수치는 완전히 둥근 모양과 비스듬한 모양으로 이루어져 있으며 자연의 형태를 연상케하며 인간의 건설처럼 시간의 둥글고기만적인 본성을 연상케합니다.
건축
20 세기 동안 에센스와 원시 형태에 대한 탐색 또한 건축 분야에서 나타났습니다. 이런 이유로, 추상적 인 건축술에서 기하학과 편평한 숫자는 지배합니다, 또한 최소 작풍에 가지고갔습니다.
동시에,이 미학적 양식에 속한 건축물은 양식의 진정한 가치에 접근하여 혼돈과 일상 생활의 임의적 인 현실과 구분합니다. 이 요소들 안에서, 건축 조각은 자연에 의해 영감을 받았지만 예술 정신의 단순성을 찾는 점에서 점점 더 분명 해지고 있습니다.
건축에서 회화 추상의 원리를 조정할 필요가있다. 조각처럼, 그것은 형식의 3 차원 구현이 필요하기 때문이다. 또한, 인프라를 수행하기 전에 작가가 제작하고자하는 형태가 구체적인 현실에서 수행 될 수 있는지에 대해 질문 할 필요가있다.
일반적으로 추상 아키텍처는 단순하고 단단한 사각형 모양뿐만 아니라 큰 직사각형 창으로 구성됩니다..
-미스 반 데 로헤
가장 잘 알려진 추상 건축가 중 한 사람인 독일 계 미국인 Mies van der Rohe가 있습니다. 그는 현대 건축에서 가장 중요한 예술가 중 한 명으로 추락했습니다. 그는 현저한 바우 하우스 독일 학교의 디렉터였습니다. 그러나 그는 나치당의 진입으로 인해 사임해야했다..
그것의 건축술은 그것의 간명 및 명확성, 추상화의 특성 아주 특성을 위해 인식된다. 또한, 작가가 선호하는 재료는 산업용 강철 및 주목할만한 유리 시트였으며, 외관 내부에 사용했습니다.
그의 가장 유명한 작품 중 하나가 바르셀로나에 있으며, 그 이름이 붙여졌습니다. 독일 관, 그것의 건축술은 간단한 기하학 숫자로 이루어져 있고 그것의 겸손한 크기를위한주의를 끌 n 다. 그것은 무료 식물로 구성되어 있으며 신 생물주의의 주목할만한 영향을 유지합니다.
-제리 트 리트 벨트
Gerrit Rietveld는 건축뿐만 아니라 목공 및 디자인에서도 눈에 띄기 때문에 다른면을 가진 잘 알려진 플라스틱 아티스트였습니다. 도구 디자인 빨간색과 파란색 의자 1918 년, 시대의 요소로서 현대적이고 기하학적 인 성격을 나타냅니다..
그의 가장 유명한 건축 작업과 추상적 인 미학과 가장 유사한 것은 소위 말하는 것입니다. 리트 벨트 슈뢰더 하우스, 그것은 1924 년에 지어졌습니다. 현재이 곳은 박물관으로 사용됩니다..
그 특성에 관해서, 집의 내부와 외부 모두는 이전의 모든 건축 변수와 함께 변화를 암시한다; 따라서 작업의 중요성.
집 안에는 방이 없습니다. 넓게 펼쳐진 곳이 하나뿐입니다. 외관의 정면은 라인과 비행기로 구성되어 있으며, 다른 것을 만들기위한 목적으로 거리가 있고 색이 지정되어 있습니다..
음악
첫 번째 단락에서 언급했듯이 음악 자체는 추상적이라는 점을 기억하는 것이 중요합니다. 음악 자체는 추상적이기 때문에 점수는 상징적 인 명명법을 가지고 있습니다..
따라서 추상 음악은 예술적 운동으로 존재할 수 없습니다. 그러나 절대 음악으로 알려진 음악 스타일이 있습니다. 음악 스타일은 추가 음악적 추가가없는 음악 작품으로 구성됩니다. 즉, 텍스트와 연결되어 있지 않습니다..
다른 말로 표현하자면, 절대적인 음악은시와 가사가 부족합니다. 그것은 단지 도구 적 구성입니다. 따라서 가사가 부족한 음악은 모두이 장르에 속한다고 간주 할 수 있습니다. 몇 가지 예는 소나타, 교향곡 또는 콘서트에서 찾을 수 있습니다..
20 세기 동안 음악적 예술적 혁신으로 괄목할만한 몇 명의 작곡가가 있었으며 그것은 추상화의 시작과 일치했습니다. 가장 눈에 띄는 것은 이고르 스트라빈스키 (Igor Stravinsky)와 모리스 라벨 (Maurice Ravel)입니다..
-이고르 스트라빈스키
Stravinsky는 20 세기 최고의 뮤지션 중 한 명으로 간주되는 러시아 국적의 오케스트라 지휘자이자 작곡가였습니다. 그는 89 세가 될 때까지 살았으므로 다양한 음악적 측면을 탐구 할 기회를 가졌습니다. 그러나 그의 가장 인정받은 작품은 예술 경력 1 년 동안 정교한 작품이었다..
그의 가장 유명한 작품 중 하나는 전화입니다. 불새, 파리에서 1910 년에 처음으로 초연 한 발레.
-모리스 라벨
클로드 드뷔시 (Claude Debussy)와 마찬가지로이 유명한 프랑스 작곡가는 동양적인 영향과 소리를 통한 색상의 환기가 특징 인 이른바 인상주의 음악에 눈에 띄었다. 라벨은 또한 표현주의와 신고전주의의 특징을 유지했다..
이 뮤지션은 여러 작품에 대한 찬사를 받았으며 가장 많이 연주 한 곡 중 하나는 볼레로, 1928 년 파리에서 초연되었다. 그 순간부터이 작곡의 성공은 거대하고 보편적이었습니다. 그의 오케스트라 운동은 뜨거운 스페인 댄스에서 영감을 얻었으며 그 당시 매우 인기가있었습니다..
참고 문헌
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- Mascarell, F. (2014) 페인팅 및 추상화. 2018 년 10 월 27 일 Universidat Politécnica de Valencia에서 검색 함 : riunet.upv.es
- Schapiro, M. (1937) 추상 미술의 본질. Timothy Quiggley에서 2018 년 10 월 27 일에 검색 함 : timothyquigley.ne